Zawartość

• Kroki
• Porady
• Ostrzeżenia

Wyobraź sobie: masz pomysł na scenariusz - a świetny pomysł - i chce przekształcić go w narrację komediową lub dramatyczną. Jak postępować? Możesz nawet chcieć od razu iść do redakcji, ale artykuł będzie znacznie lepszy, jeśli zostanie dobrze zaplanowany krok po kroku. Przeprowadź burzę mózgów i stwórz zarys struktury, aby podzielić i uprościć proces.

Kroki

Część 1 z 3: Zbieranie pomysłów

1. 

   Zdecyduj, jaką historię chcesz opowiedzieć. Chociaż każda historia jest inna, większość przedstawień należy do kategorii, które pomagają widzom zrozumieć i zinterpretować relacje i wydarzenia, które mają miejsce w tekście. Pomyśl o postaciach, które chcesz przedstawić, i o tym, jak potoczą się ich historie. One:
   • Czy musisz rozwiązać zagadkę?
   • Czy przechodzisz przez serię delikatnych sytuacji, aby rozwijać się jako ludzie?
   • Czy przestają być naiwni i zdobywają doświadczenie życiowe?
   • Stoją przed niebezpieczną podróżą, jak Odyseusz wOdyseja?
   • Czy wprowadzają porządek?
   • Czy pokonują różne przeszkody w dążeniu do celu?

2. 

   
   
   Przeprowadź burzę mózgów na temat podstawowych części narracji. Narracja to przebieg utworu od początku do środka i do końca. Terminy techniczne tych trzech części to „ekspozycja”, „zwiększone działanie” i „rozwiązanie” - zawsze w tej kolejności. Niezależnie od długości czy liczby aktów w sztuce, autorka zawsze musisz rozwinąć te trzy elementy. Ustal, jak będziesz badać każdy z nich, zanim napiszesz ostateczny tekst.

3. 

   
   
   Zdecyduj, co chcesz umieścić na wystawie. Wystawa rozpoczyna zabawę, przynosząc podstawowe informacje dotyczące fabuły: gdzie i kiedy rozgrywa się akcja? Kto jest głównym bohaterem? Kim są postacie drugorzędne, w tym antagonista (osoba, która powoduje główny konflikt)? Jaki jest główny konflikt bohaterów? Jaki jest gatunek teatralny (komedia, dramat, tragedia itp.)?

4. 

   
   
   Zmień ekspozycję w rosnące działanie. W rosnącej akcji sytuacje, z którymi borykają się bohaterowie, stają się coraz bardziej skomplikowane. Centralny konflikt jest głównym elementem i pomaga w coraz większym napięciu publiczności. Ten konflikt może mieć miejsce z inną postacią (antagonistą), z warunkami zewnętrznymi (wojna, bieda, oddzielenie od ukochanej osoby) lub z samym bohaterem (na przykład konieczność przezwyciężenia niepewności). Narastająca akcja prowadzi do punktu kulminacyjnego historii: najbardziej napiętego momentu, kiedy konflikt znajduje się w krytycznej sytuacji.

5. 

   Zdecyduj, jak konflikt sam się rozwiąże. Rezolucja kładzie kres napięciu konfliktu kulminacyjnego, a tym samym kończy narrację. Możesz pomyśleć o szczęśliwym zakończeniu (w którym główny bohater dostaje to, czego chce), tragicznym (w którym czytelnik dowiaduje się czegoś z porażki bohatera) lub rozwiązanie (w którym odpowiedzi na wszystkie pytania).

6. 

   Zrozum różnicę między fabułą a historią. Na narrację spektaklu składają się „fabuła” i „opowieść” - dwa odrębne elementy, które są wspólnie opracowywane, aby przyciągnąć uwagę widza. Brytyjski pisarz E. M. Forster zdefiniował „historię” jako to, co dzieje się w sztuce w porządku chronologicznym. Z kolei „fabuła” to logika, która łączy wydarzenia rozgrywające się w sztuce, nadając im emocjonalny wpływ. Przykład różnicy:
   • Opis: dziewczyna bohatera zerwała z nim. Potem stracił pracę.
   • Fabuła: dziewczyna bohatera zerwała z nim. Niepocieszony, przeżył załamanie emocjonalne w pracy i został zwolniony.
   • Musisz opracować interesującą historię, która pomaga rozwijać utwór w tempie, które przykuwa uwagę publiczności, jednocześnie pokazując, jak są połączeni w swobodny sposób. W ten sposób publiczność zaczyna przejmować się postaciami i wydarzeniami.

7. 

   Opracuj historię. Nie możesz pogłębić emocjonalnego rezonansu fabuły, jeśli historia nie jest interesująca. Pomyśl o podstawowych elementach utworu, zanim zaczniesz go pisać. Aby to zrobić, odpowiedz na następujące pytania:
   • Gdzie historia ma miejsce?
   • Kto jest bohaterem (głównym bohaterem) i kim są ważni drugorzędni bohaterowie?
   • Jaki jest główny konflikt tych postaci w sztuce?
   • Czym jest „incydent początkowy”, który inicjuje akcję spektaklu i prowadzi do głównego konfliktu?
   • Co dzieje się z bohaterami podczas konfliktu?
   • W jaki sposób konflikt zostanie rozwiązany pod koniec gry? Jak to wpływa na postacie?

8. 

   Opracuj fabułę, aby pogłębić historię. Pamiętaj, że fabuła pomaga rozwinąć relacje między wszystkimi elementami fabuły (wymienionymi w poprzednim kroku). Myśląc o tym, spróbuj odpowiedzieć na następujące pytania:
   • Jaki jest związek między postaciami?
   • Jak postacie wchodzą w interakcję z głównym konfliktem? Które z nich są najbardziej dotknięte? Lubić?
   • Jak możesz zorganizować historię (wydarzenia), aby odpowiednie postacie wchodziły w interakcję z głównym konfliktem?
   • Jaka jest logiczna, przypadkowa progresja od jednego wydarzenia do drugiego - i taka, która pomaga budować ciągły przepływ w kierunku punktu kulminacyjnego i rozwiązania?

Część 2 z 3: Myślenie o strukturze utworu

1. 

   Zacznij od zagrania w akcie, jeśli nie masz doświadczenia. Zanim napiszesz sztukę, musisz wiedzieć, jak chcesz ją skonstruować. Spektakl jednoaktowy nie ma przerw i dlatego jest idealny dla początkujących dramatopisarzy. Przykładem sztuki w akcie jest Rafameia lub Boi-de-Fogoautorstwa Gilvana de Brito. Chociaż jest to najprostsza konstrukcja, pamiętaj, że każda historia potrzebuje narracji z ekspozycją, zwiększającą akcję i rozdzielczość.
   • Ponieważ spektakle w akcie nie mają przerw, scenariusze, stroje aktorów i inne szczegóły techniczne są prostsze.

2. 

   Nie ograniczaj długości swojej gry w jednym akcie. Ta struktura nie ma nic wspólnego z czasem trwania programu. Utwory mogą mieć różny czas trwania: niektóre mają dziesięć minut, a inne godzinę.
   • Niektóre utwory w jednym akcie trwają od kilku sekund do dziesięciu minut. Doskonale nadają się do prezentacji szkolnych i tym podobnych, a także konkursów na ten konkretny format.

3. 

   Napisz sztukę w dwóch aktach, aby stworzyć bardziej złożoną historię. To najpowszechniejsza konstrukcja we współczesnym teatrze. Chociaż nie ma określonej reguły dotyczącej długości utworów, generalnie każdy akt trwa około pół godziny - z przerwą między nimi. W tym czasie widzowie mogą udać się do łazienki lub zrelaksować się, pomyśleć o tym, co się wydarzyło i porozmawiać o konflikcie pokazanym w pierwszej części. W międzyczasie zespół dostosowuje scenografię, ubiór i makijaż aktorów. Każda przerwa trwa około 15 minut. Weź to pod uwagę podczas pisania.
   • Praca Rubin w pępkuFerreiry Gullar to przykład sztuki w dwóch aktach.

4. 

   Dostosuj działkę do dwuaktowej struktury. Dzięki tej konstrukcji zespół montujący części ma więcej czasu na dokonanie zmian technicznych. Ponieważ serial ma przerwę, nie można nadać historii tak płynnej narracji. Skonstruuj go z myślą o tym interwale, aby publiczność była napięta i zaniepokojona tym, co nastąpi po pierwszym akcie - natychmiast w rosnącej akcji.
   • Główny incydent musi wydarzyć się w połowie pierwszego aktu, po kontekstualizacji i ujawnieniu.
   • Po głównym incydencie napisz kilka scen, które napinają widzów - czy to dramatyczne, tragiczne, czy komiczne. Muszą doprowadzić do konfliktu, który kończy pierwszy akt.
   • Ukończ pierwszy akt zaraz po najbardziej napiętym momencie w historii. Publiczność nie może się doczekać końca przerwy i początku drugiego aktu.
   • Rozpocznij drugi akt z mniejszym napięciem niż koniec pierwszego aktu. W ten sposób publiczność nie będzie przestraszona ani nie poczuje łomotu.
   • Napisz kilka scen w drugim akcie, które zwiększają napięcie w konflikcie prowadzącym do punktu kulminacyjnego (tzw więcej napięty), tuż przed końcem utworu.
   • Napisz opadającą akcję i rozdzielczość, aby utwór nie kończył się gwałtownie. Nie każda sztuka wymaga szczęśliwego zakończenia, ale publiczność musi poczuć napięcie narastające w związku z wydanymi aktami.

5. 

   Użyj trójaktowej struktury dla dłuższych, bardziej złożonych fabuł. Jeśli nie masz doświadczenia, najlepiej zacząć od gry w jednym lub dwóch aktach - bo te z trzema aktami są dłuższe. Potrzeba więcej doświadczenia, aby stworzyć spektakl, który zachwyci publiczność na około dwie godziny. Jeśli jednak historia, którą zamierzasz opowiedzieć, jest bardziej złożona, może lepiej napisać trzy akty. Podobnie jak w przypadku dwóch osób, ekipa montażowa ma więcej czasu na dostosowanie scenerii, ubrań itp. w przerwach. Postępuj zgodnie z tym modelem:
   • Pierwszym aktem jest wystawa: stopniowo wprowadzaj postacie i istotne informacje. Spraw, by publiczność wzbudziła sympatię do bohatera i sytuacji, w której się znalazł - tak, aby pojawiła się emocjonalna reakcja, gdy coś zacznie się źle układać. Akt ten musi również przedstawiać problem, który rozwiniesz w dalszej części utworu.
   • Drugi akt to komplikacja: sytuacja staje się bardziej ryzykowna i napięta dla bohatera, a problem jest też bardziej skomplikowany. Możesz na przykład ujawnić ważne informacje w pobliżu punktu kulminacyjnego. Ta rewelacja musi kołysać się protagonistą - dopóki nie będzie miał siły, by wszystko rozwiązać. Koniec drugiego aktu jest beznadziejny, a plany głównego bohatera legły w gruzach.
   • Trzecim aktem jest rozstrzygnięcie: bohater pokonuje przeszkody poprzedniego aktu i znajduje sposób na zakończenie spektaklu. Pamiętaj, że nie każda sztuka ma szczęśliwe zakończenie; bohater może na przykład umrzeć. Ważne jest to, że publiczność uczy się czegoś z tego doświadczenia.
   • Praca AranholJosé Sizenando to przykład sztuki w trzech aktach.

Część 3 z 3: Pisanie sztuki

1. 

   Naszkicuj akty i sceny. W pierwszych dwóch częściach tego artykułu przeprowadziłeś burzę mózgów na temat podstawowych pomysłów na łuk narracyjny, historię i fabułę oraz strukturę. Teraz, zanim zaczniesz pisać samą pracę, umieść wszystkie te elementy szczegółowo na papierze.
   • Kiedy zamierzasz przedstawić ważne postacie?
   • Ile różnych scen zamierzasz zawrzeć? A co dokładnie dzieje się w każdym z nich?
   • Zapisuj wydarzenia, zawsze myśląc o postępie, jaki wnoszą do fabuły.
   • Kiedy zespół musi zmienić scenariusz? Ubrania? Pomyśl o tych elementach technicznych podczas bardziej szczegółowego planowania części.

2. 

   Dalsze rozwijanie konspektu, aby napisać utwór. Zacznij od najbardziej podstawowych dialogów, nie zastanawiając się, czy są naturalne i jak aktorzy będą odgrywać postacie. W tym pierwszym zarysie musisz się tylko martwić o bardziej ogólne części.

3. 

   Twórz naturalne dialogi. Daj aktorom dobrze skonstruowany scenariusz, aby zinterpretowali kwestie w ludzki, prawdziwy i emocjonalny sposób. Nagraj siebie, czytając na głos dialogi, a następnie posłuchaj dźwięku. Zwróć uwagę na części, które brzmią jak roboty lub papkowate. Pamiętaj, że nawet jeśli chodzi o utwór literacki, bohaterowie nadal muszą brzmieć naturalnie. Na przykład nie próbuj się uczyć, gdy bohater narzeka na coś w pracy lub na kolacji.

4. 

   Pisz styczne rozmowy. Każdy trochę się włóczy, rozmawiając z przyjaciółmi i znajomymi. Chociaż musisz pomyśleć o postępie konfliktów w grze, wciąż jest miejsce na rozrywki - co sprawia, że ​​tekst jest bardziej realistyczny. Na przykład, kiedy protagonista rozmawia z kimś o zakończeniu związku, możesz dodać dwie lub trzy linijki, w których ta druga osoba zapyta, jak długo trwał związek.

5. 

   Uwzględnij przerwy w dialogach. Nawet jeśli nie chcą być niegrzeczni, ludzie przez cały czas sobie przerywają - nawet po to, by zrobić pozytywne wykrzykniki, takie jak „Rozumiem” lub „Masz rację”. Ludzie nawet przeszkadzają sami: „Ja - słuchaj, nie mam nic przeciwko podwiezieniu go w sobotę - ale jestem ostatnio bardzo zajęty pracą”.
   • Nie bój się używać fragmentów zdań. Chociaż praktyka ta nie jest dobrze postrzegana w niektórych typach tekstów, nadal jest powszechna w codziennych rozmowach. Na przykład: „Nienawidzę psów. Wszystkie”.

6. 

   Dołącz instrukcje dla zespołu. W ten sposób aktorzy i inni agenci zaangażowani w produkcję zrozumieją twoją wizję sztuki. Użyj kursywy lub nawiasów kwadratowych, aby podać te wskazówki bez mylenia ich z oknami dialogowymi. Aktorzy wykorzystają własną licencję twórczą do interpretowania linii, ale możesz podać bardziej ogólny kierunek:
   • Wytyczne do rozmowy:
   • Działania fizyczne: e.
   • Stany emocjonalne: itp.

7. 

   Przepisz szkic części tyle razy, ile potrzeba. Twój kawałek nie będzie od razu idealny. Nawet doświadczeni pisarze muszą kilkakrotnie sprawdzać tekst, zanim wynik będzie zadowalający. Nie spiesz się! Z każdym nowym wyglądem dodawaj więcej szczegółów, aby ułatwić pracę.
   • Nawet jeśli dodasz więcej szczegółów, pamiętaj, że klawisz „Del” może się bardzo przydać. Pomyśl o tym w ten sposób: możesz nawet znaleźć coś dobrego, biorąc to, co złe. Usuń wszystkie dialogi i wydarzenia, które nie mają wagi emocjonalnej.
   • Ogólnie rzecz biorąc, eksperci zalecają autorom wycięcie części, które publiczność by pominęła, gdyby czytała utwór.

Porady

• Większość przedstawień rozgrywa się w określonym czasie i miejscu. Bądź konsekwentny. Na przykład: postać żyjąca w latach trzydziestych XX wieku może wykonać telefon lub skorzystać z telegrafu, ale nie oglądać telewizji.
• Zapoznaj się z odniesieniami na końcu tego artykułu (w języku angielskim), aby dowiedzieć się, jak postępować zgodnie z właściwym formatem rozgrywek.
• Improwizuj w razie potrzeby. Czasami spontaniczne przemówienia są nawet lepsze niż oryginalne!
• Przeczytaj na głos scenariusz małej publiczności. Przedstawienia opierają się na słowach - a ich moc lub ich brak jest oczywisty, gdy jest taki test.
• Nie zatrzymuj tej części dla siebie. Spróbuj go opublikować, aby pokazać, że piszesz!
• Napisz kilka wersji roboczych, nawet jeśli jesteś zadowolony z pierwszego.

Ostrzeżenia

• Świat teatru jest pełen pomysłów, ale opowieść trzeba potraktować oryginalnie. Kradzież cudzej pracy to nie tylko plagiat, ale przestępstwo, które prawie zawsze jest demaskowane.
• Chroń swoją pracę. Na okładce umieść swoje imię i nazwisko oraz rok, w którym napisałeś artykuł, a po nim symbol praw autorskich.
• Nie zniechęcaj się, gdy twój utwór zostanie odrzucony. Jeśli raz nie zostaniesz zaakceptowany, spróbuj innego (nawet jeśli musisz napisać inny utwór).